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Tinta intelectual

Tinta intelectual

los New York Times El crítico de arte Michael Kimmelman argumentó en 1995 que los tatuajes eran más interesantes para el mundo del arte debido a su “condición de forasteros”, comparándolos incluso con el “arte autodidacta, el arte carcelario y el arte de los locos”. Pero esto no debería verse como un golpe en su contra. “Si miras la historia del arte, siempre hay una forma de arte emergente que no es tan aceptada”, dice Lee Anne Hurt Chesterfeld, curadora del Museo de Bellas Artes de Virginia. Un ejemplo es la impresión en madera, una influencia clave en el tatuaje japonés. “No se consideró exactamente digno de un museo durante un largo período, y ahora cada museo al que entre tendrá algo relacionado con la impresión de bloques de madera”, dice Chesterfeld.

Un dibujo de Horiyoshi III (Guernsey)

Pero más allá de la cuestión de si los tatuajes son “dignos de un museo”, hay consideraciones más prácticas. Los tatuajes simplemente no son objetos que se puedan poner en una vitrina o dentro de un marco, similar al arte de performance, que específicamente trató de resistir el modelo de museo y la comercialización del arte. A veces, la práctica del injerto de piel se utiliza para conservar un tatuaje después de la muerte del propietario, pero la pieza pierde algo esencial en el proceso. Muchos artistas, como el maestro japonés Horiyoshi III, creen que los dibujos solo pueden cobrar vida por completo en la piel. “Es por eso que nunca muestro mis diseños como un supuesto arte”, dijo al Japan Times en 2007. Como resultado, los facsímiles, como fotografías y dibujos, se acercan pero no logran capturar la naturaleza visceral de los diseños y las historias humanas incrustadas en la tinta.

Es comprensible, entonces, por qué muchos tatuadores sienten que su trabajo está en desacuerdo con las piezas que suelen presentar los museos y galerías. “Creo que gran parte del público en general nos considera artistas, pero no creo que el mundo de las bellas artes sepa qué hacer con nosotros”, dice Takahiro Kitamura, un artista japonés estadounidense que es famoso por sus tatuajes a gran escala y que tiene varias obras en la exposición de Guernsey. “No pueden ser nuestros dueños”.

Kitamura observa una división interesante entre el artista más convencional, digamos, un pintor o escultor, y el tatuador. Durante el último siglo, los tatuajes se han alejado de las ilustraciones “flash” o prediseñadas. Hoy en día, los artistas del tatuaje de alto nivel pueden dedicar 30 o 40 horas (a menudo a cientos de dólares la hora) trabajando en una sola pieza personalizada y, a menudo, desarrollan relaciones cercanas con sus clientes. Pero una vez que el tatuaje está terminado, su arte sale por la puerta permanentemente, un hecho que entra en conflicto con la tendencia del mundo del arte de asociar una obra con su autor en lugar de con su dueño. “Uno se vuelve bueno para dejar ir”, dice Kim Saigh, una artista de Los Ángeles que apareció en el reality show. LA Ink. “Los tatuajes tienen vida propia”.

Este tipo de arreglo artístico orientado al cliente es una reminiscencia del sistema de mecenazgo de la era del Renacimiento, donde un patrocinador adinerado pagaba el salario digno de un artista a cambio tanto del trabajo por encargo como del prestigio cultural de estar asociado con él. En la era de Miguel Ángel y Leonardo, nació el culto al genio y los artistas pasaron de ser considerados artesanos técnicos a virtuosos, un arco que imita la evolución de los tatuajes y su aceptación bastante generalizada. Junto con Saigh, artistas como Mark Mahoney de Los Ángeles y Dr. Woo han alcanzado el estatus de celebridad, con clientes potenciales que esperan una cita desde varios meses hasta varios años.

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